Motive neevidente pentru care iubim unele filme și ne este greu să le tolerăm pe altele

2024 Autor: Malcolm Clapton | [email protected]. Modificat ultima dată: 2023-12-17 04:09

Subtilități de editare, tehnici de cameră și alte trucuri care vă permit să simțiți atmosfera.

Cel mai adesea, când se discută despre cinema, oamenii vorbesc despre intriga și actorie. Desigur, acestea sunt componente importante ale oricărui film. Dar se întâmplă să nu-ți poți lua ochii de la o poză, deși acțiunea se dezvoltă foarte lent, iar o altă poveste devine rapid plictisitoare, în ciuda numeroaselor evenimente. Unii autori reusesc sa faca privitorul sa creada in cele mai fantastice viraje, in timp ce altii fac chiar si situatii reale precum jucariile. Și este frumos să vizionezi unele casete, în timp ce altele sunt dificile.

Chestia este că, pe lângă intriga și actori, există multe tehnici interesante pe care regizorii le folosesc pentru a ajuta spectatorul să simtă acțiunea și să se bucure de ceea ce se întâmplă pe ecran. Este posibil ca aceste subtilități să nu fie observate, dar încă afectează foarte mult percepția imaginii.

Spectrul de culori

Primul lucru de observat este că culorile din filme nu sunt adesea deloc aceleași ca în viața reală. Poate fi destul de evident (de exemplu, dacă imaginea este alb-negru) sau nu vă dați seama imediat. Dar aceasta nu este o coincidență.

Crearea unei atmosfere

Cu ajutorul culorilor, poți transmite mai bine atmosfera a ceea ce se întâmplă, poți crea o stare de spirit pentru privitor și chiar poți arăta sentimentele personajelor înseși.

Luați ca exemplu populara franciză X-Men. În seria principală de filme, imaginea strălucitoare și bogată seamănă cu benzile desenate. Și spre deosebire de ei în noir „Logan”, unde vorbesc despre bătrânețea și oboseala eroului, sunt alese tonuri mai palide.

Filmat din filmul „X-Men: Apocalypse”

Filmat din filmul „Logan”

În filmul „Mad Max: Fury Road”, cea mai mare parte a acțiunii are loc într-o zonă fierbinte de deșert. Este logic că poza a fost făcută în nuanțe galben-portocalii, care te fac să simți soarele arzător și uscăciunea.

Pentru claritate, puteți lua un cadru și puteți schimba schema de culori. Imediat va părea că a devenit mai frig.

Filmat din filmul „Mad Max: Fury Road”

Același cadru, dar în culori reci

Pentru a crea o imagine contrastantă, blockbusterele moderne și, în general, cinematografia de masă sunt făcute mai albastre și portocalii.

Dar faimosul Wes Anderson iubește o paletă moale rozalie. Oferă spectatorului sentimentul unui film romantic vechi. Și tot ce se întâmplă este perceput mai calm și mai ușor.

Atunci când doresc să creeze o atmosferă de viitor și fantezie, apelează adesea la gama albastră. Și iubesc în special culorile neon, care sunt ferm conectate în capul privitorului cu cyberpunk și tehnologie.

Inutil să spun că cineaștii de groază preferă culorile închise. Există mai multe motive pentru aceasta. Desigur, acesta este parțial un mod de a pompa atmosfera. Mulți oameni se tem deja de întuneric, iar în filmele de groază se ascund și monștri în el.

În plus, o imagine întunecată vă permite să ascundeți ușor imperfecțiunile graficii sau ale machiajului și să economisiți la producție. Adevărat, există un pericol în asta: dacă întuneci prea mult cadrul, atunci spectatorul poate pur și simplu să nu vadă ce se întâmplă pe ecran, mai ales într-un cinema prost sau pe un televizor vechi. De exemplu, acesta a fost cazul în filmul Slenderman din 2018.

Deși unii regizori originali pot juca în contrast. De exemplu, Ari Astaire din „Solstițiu” a arătat atmosfera tipică a unui film de groază: eroii se găsesc într-un sat izolat unde se întâmplă lucruri groaznice.

Dar, în același timp, imaginea este foarte strălucitoare, aproape că nu există scene întunecate în ea, iar hainele eroilor sunt albe ca zăpada. Și asta îl face și mai înfricoșător, pentru că nu există unde să te ascunzi de groază.

Separarea părților parcelei

Un film poate avea mai multe filtre de culoare diferite. Sunt folosite pentru a separa mai clar poveștile. Și cu talentul potrivit, această abordare ajută la luminarea imaginii.

Matrix este un exemplu grozav. Sigla acestei benzi a fost realizată cu simboluri de cod verde, care denotă programul în care locuiesc oamenii. De aceea tot ce se întâmplă în lumea virtuală a fost filmat printr-un filtru verzui. Și evenimentele reale sunt afișate cu albastru.

O scenă din filmul „The Matrix”, acțiune în lumea virtuală

O scenă din filmul „The Matrix”, acțiune în viața reală

Și numai la sfârșitul celei de-a treia părți, când oamenii și mașinile au încheiat un acord de pace, în cadru apar culorile albastru și verde pur în același timp.

În Începutul lui Christopher Nolan, personajele trec din lumea reală pentru a dormi, apoi pentru a dormi în somn și așa mai departe. Pentru a separa mai clar „straturile”, regizorul și-a ales propria schemă de culori pentru fiecare dintre ele.

Filmat din filmul „Inception”, primul vis

Filmat din filmul „Inception”, al doilea vis

Filmat din filmul „Inception”, al treilea vis

La primul nivel de somn, totul este filmat într-o paletă albastră, al doilea este galben, al treilea este alb. Și numai în ultimul vis se reunesc toate nuanțele, ca în lumea reală.

În Blade Runner 2049 de Denis Villeneuve, culorile diferite reflectau atât locația, cât și starea interioară a protagonistului.

Filmat din filmul „Blade Runner 2049”

Filmat din filmul „Blade Runner 2049”

Filmat din filmul „Blade Runner 2049”

Filmat din filmul „Blade Runner 2049”

Totul începe cu personajul lui Ryan Gosling rătăcind în ceață, apoi trece printr-un deșert portocaliu fierbinte, futurism neon și o inundație nocturnă. Iar povestea se termină pe un fundal alb ca zăpada, reflectând calm și purificare.

Refuzul culorii

Pe vremuri, toate filmele erau alb-negru. Pur și simplu pentru că nu știau să tragă altfel și se putea colora ramele doar manual. Apoi au apărut filmele color și cinematografia a devenit mult mai realistă.

Dar, în același timp, fotografia alb-negru nu este în totalitate un lucru din trecut. Ele sunt încă folosite în scopuri artistice. De exemplu, pentru a delimita diferite lumi sau povești.

Așadar, în „Vrăjitorul din Oz” din 1939, culoarea apare atunci când Dolly intră în lumea zânelor.

Încă din filmul „Vrăjitorul din Oz”, lume obișnuită

Încă din filmul „Vrăjitorul din Oz”, tărâmul zânelor

În „Stalker” de Andrei Tarkovsky, culorile lipsesc și în viața obișnuită a eroilor. Și când personajele intră în „Zona” mistică, lumea devine strălucitoare - aici oamenii se dezvăluie cu adevărat.

Sau tot la fel, Christopher Nolan în caseta „Remember” a arătat o parte a acțiunii în ordine directă, iar a doua - în sens invers. Prin urmare, jumătate din film este filmat color, iar cealaltă este alb-negru.

Inca din filmul "Remember", comanda directa

Încă din filmul „Remember”, ordine inversă

În plus, o imagine alb-negru vă permite să evidențiați mai viu anumite detalii prin simpla adăugare de culoare la ele. Pentru prima dată, Serghei Eisenstein a făcut acest lucru când a pictat manual steagul în cuirasatul Potemkin din 1925.

Ulterior, această tehnică a fost folosită în genuri complet diferite. În Lista lui Schindler a lui Steven Spielberg, apariția unei fete într-o haină roșie devine unul dintre cele mai emoționante momente.

Și chiar și în filmul de benzi desenate Sin City, această abordare este folosită în mod repetat, cu accent pe ruj roșu, ochi strălucitori sau sânge.

Construcție cadru

Regula treimilor

Unul dintre principiile fundamentale atât ale filmului, cât și ale fotografiei. Aceasta este ceva ca o regulă simplificată a „raportului de aur”.

Este simplu: la fotografiere, ecranul este împărțit în trei părți vertical și orizontal. Cele mai importante elemente pentru parcelă ar trebui să fie situate pe aceste linii, precum și la intersecția lor. Acest lucru va face mai ușor pentru spectator să se concentreze asupra punctelor dorite.

Așezați într-un pătrat

Dacă împărțiți în mod condiționat cadrul în jumătate sau în patru părți egale, atunci puteți face spectatorul să înțeleagă fără cuvinte ce loc ocupă personajul în poveste.

Această tehnică este văzută cel mai clar în filmul „Drive” de Nicholas Winding Refn. De exemplu, dacă fața personajului principal este afișată în colțul din stânga sus, iar în cadrul următor apare un alt personaj în același loc, atunci acesta este un indiciu că personajele vor fi rivale.

În plus, același Refn poate spune două povești în paralel: în părțile superioare și inferioare ale ecranului sau în jumătățile din stânga și din dreapta. Privitorul poate să nu observe această mișcare, dar totuși percepția personajelor va fi mai completă. Plus că este pur și simplu frumos.

Simetrie

O altă tehnică psihologică și estetică în același timp. Adesea, loviturile în care jumătatea stângă reflectă jumătatea dreaptă sunt făcute doar pentru frumusețe.

Dar uneori ele transmit opoziția personajelor. Și dacă eroul se uită în oglindă, va arăta latura lui întunecată sau diferența dintre vise și realitate. Pe scurt, orice alegorie la care se poate gândi pentru reflecții.

Fotografie din filmul „2001: Odiseea spațiului”

Filmat din filmul „The Shining”

O foto din filmul „Joker”.

Colț olandez

Pentru a arăta instabilitatea protagonistului, îndoielile sale cu privire la ceva sau problemele de memorie, folosesc o tehnică foarte vizuală. „Unghiul olandez” înseamnă că camera nu filmează drept, ci înclinată. Multe exemple ale acestei abordări pot fi găsite în filmele lui Danny Boyle.

Este neobișnuit ca privitorul să privească imaginea dintr-un unghi, așa că percepe mai bine starea incomodă a personajului.

Cu toate acestea, este important să respectați măsura aici. De exemplu, filmul dezastruos „Battlefield: Earth” a fost filmat în întregime în unghi. Dar într-o oră și jumătate, cel mai probabil spectatorul va avea doar o durere de gât.

Trage de jos și de sus

O altă dintre tehnicile simple, dar eficiente, care vă permite să transmiteți sentimentul de sine al eroilor. Deci poți arăta, de exemplu, cine este stăpânul situației. Și apoi îmi amintesc imediat de casetele lui Quentin Tarantino, unde personajele privesc în jos în portbagaj.

Filmat din filmul „From Dusk Till Dawn”

Filmat din filmul „Reservoir Dogs”

Și tragerea de sus te face să simți că eroul se simte nesigur. Iată cât de amuzant au jucat-o în celebra scenă din filmul „What Men Talk About”, în care personajul lui Kamil Larin, ca un copil, îi dă scuze portarului dintr-un restaurant scump:

Dialog și mișcare

Acțiune de fundal

O tehnică care este cel mai des folosită în comedie sau horror. În prim-plan nu se întâmplă nimic interesant. Și toate cele mai importante se desfășoară pe fundal, care poate fi întunecat sau neclar.

De exemplu, protagonista filmului „Zombie Called Sean” merge la magazin. Totul este foarte banal pentru el. Și în fundal există o adevărată apocalipsă:

În funcție de gen și de prezentare, acest lucru poate crea fie un efect foarte amuzant, fie tensiune - atât de des, principalele țipete sunt ascunse în filmele de groază.

Conversații în mișcare

Cel mai obișnuit tip de dialog în filme este că personajele stau și vorbesc. În acest caz, camera comută în mod tradițional între fețe.

Dar dacă scena durează prea mult, atunci privitorul se va sătura de repetarea constantă a acelorași unghiuri. Prin urmare, regizorii buni fie completează, fie schimbă decorul unor astfel de scene.

Deci, în filmele lui Quentin Tarantino, personajele vorbesc aproape constant. Însă maestrul nu te lasă să te plictisești, pentru că dialogurile pot avea loc în timpul conducerii. Datorită schimbării constante a fundalului, acțiunea nu pare a fi monotonă.

Și chiar dacă personajele sunt în aceeași cameră, camera nu comută chiar așa. Ea se poate mișca în jurul lor, creând efectul de prezență și chiar de participare la conversație. Aproape toate caracterele pot fi văzute fără editare inutilă.

Nicholas Winding Refn reușește să folosească jocul deja menționat cu culoare și reflectare într-o conversație simplă. În Drive, primul dialog al protagoniștilor pare să arate foarte simplu.

Dar, în același timp, personajul lui Ryan Gosling este mereu pe un fundal albastru (această schemă de culori îl însoțește pe tot parcursul filmului). Și eroina Carey Mulligan stă lângă pereții portocalii. Și asta arată că ceva îi desparte, deși sunt apropiați.

Regula celor 180 de grade

Mai este un punct important în timpul filmării. Dacă mișcați camera cu mai mult de 180 de grade când schimbați unghiurile, privitorul va deveni confuz. De exemplu, atunci când eroul aleargă, va părea că s-a întors și se mișcă în direcția opusă.

Și acest lucru este la fel de important chiar și în timpul dialogurilor. Pentru a nu crea impresia că toți cei din cadru s-au mișcat brusc, operatorul și regizorul aleg o anumită linie dincolo de care camera nu trebuie să treacă.

Este curios că o încălcare deliberată a acestei reguli poate fi folosită doar pentru a deruta privitorul, pentru a arăta confuzia eroului. Și cu imaginația cuvenită, autorii creează scene mai neobișnuite. De exemplu, conversația lui Gollum cu el însuși. Personajul este pur și simplu arătat din părți diferite, dar acest lucru creează efectul că există doi vorbitori și sunt în dialog.

Caracteristici de instalare

Editarea vă permite să faceți acțiunea filmului mai dinamică, „sărind peste” momentele plictisitoare ale vieții și permițându-vă să priviți ceea ce se întâmplă din diferite puncte de vedere. Forma sa cea mai simplă este narațiunea. Adică evenimentele din cadru au loc unul după altul. Acest lucru a fost explicat cel mai clar în Omul de pe Boulevard des Capucines.

Dar puteți arăta evenimentele filmului într-un mod diferit, iar pentru aceasta se folosesc tehnici diferite.

Instalare în paralel

Spre deosebire de povestirea secvențială, uneori autorii doresc ca publicul să vadă ce se întâmplă în același timp în locuri diferite. Și apoi regizorii apelează la montaj paralel.

Acest lucru face intriga mai plină de evenimente. Dar trebuie să fii atent. Până la urmă, dacă arăți pe rând scenele care apar în același timp, s-ar putea să ai impresia că fiecare dintre ele durează mai mult.

Un exemplu izbitor de editare paralelă nereușită este „Furious-6”. Eroii încearcă să evadeze cu un avion care circulă de-a lungul pistei, mașinile îi urmăresc și o luptă are loc în interiorul navei.

Autorii demonstrează atât de multe evenimente deodată încât pe ecran avionul pare să accelereze timp de cel puțin 15 minute. Inutil să spun că asta distruge tot realismul situației?

Christopher Nolan, pe de altă parte, este considerat pe scară largă ca un maestru al editării paralele. Regizorul o folosește în multe dintre lucrările sale, dar Începutul este cel mai bun exemplu. Evenimentele la diferite niveluri de somn au loc simultan și cu ritmuri diferite (în somnul mai profund, timpul se mișcă mai lent).

Aici, la acțiune se adaugă deja amintita separare a culorilor și privitorul nu se încurcă în ceea ce se întâmplă, ci realizează întreaga globalitate a evenimentelor.

Apropo, este interesant că în filmul „Dunkirk” Nolan este și mai inteligent cu această tehnică. Prezintă în paralel evenimentele care au loc pe pământ, în apă și în aer. De fapt, cronologia este complet diferită, iar totul converge doar în final.

Flashback-uri și Flash Forwards

Uneori, autorii își încorporează amintirile din trecut - flashback-uri - în povestea liniară a eroilor. Acestea pot fi flash-uri foarte scurte de câteva secunde sau povești întregi.

Un mare fan al unor astfel de momente este Jean-Marc Vallee. Astfel, el adaugă tensiune scenelor aparent calme. Sau dă clar că personajul înșală pe cineva: spune un lucru, dar în amintirile lui apare cu totul altceva.

Nu este greu de ghicit că flashforward-urile sunt aceleași povești, dar din viitor. Ele sunt folosite mai rar, de obicei în SF sau în poveștile mistice. Pe o astfel de tehnică au construit chiar o serie întreagă, în care, în timpul unei anumite eclipse, fiecare persoană a văzut un moment din viitorul său.

Și mai departe de-a lungul intrigii, toată lumea încearcă să afle motivele pentru ceea ce s-a întâmplat și să înțeleagă sensul viziunilor lor. Seria a fost numită astfel: Flashforward (în traducere rusă - „Amintiți-vă ce se va întâmpla”). Adevărat, a rezistat doar un sezon.

Salt-cut

Această tehnică se aplică deja editării liniare. Înseamnă o tranziție bruscă între cadre. Îl folosesc în scopuri complet diferite.

În Little Shop of Horrors al lui Frank Oz, un astfel de montaj ajută la arăta trecerea lungă și plictisitoare a timpului.

Însă Lars von Trier, care folosește deseori și salt-cut-ul în lucrările sale, transmite în acest fel stresul emoțional și instabilitatea psihologică a personajelor. Fotografierea astfel face poza mai „nervoasă”. În banda „Idiots”, acest lucru este foarte potrivit:

Editare în formă și sunet

Pentru ca diferitele evenimente prezentate în film să fie percepute ca o continuare reciprocă, autorii folosesc adesea coincidențe vizuale. Adică, contururile unui obiect dintr-un cadru sunt repetate în următorul. Și uneori poate părea foarte spiritual.

De asemenea, puteți „conecta” privitorul cu sunet. Țipătul continuă cu fluierul vaporului, iar bubuitul industrial este înlocuit cu muzică de același tempo. Sau șuieratul unei țevi deteriorate se transformă într-un trosnet de carne prăjită.

În plus, sunetul poate fi ușor înainte sau în urmă față de ceea ce este afișat pe ecran. Acest lucru se face pentru a face scenele mai conectate. Adică, privitorul încă mai aude vorbire și foșnet din cadrul precedent, dar acțiunea s-a schimbat deja. Sau vice versa.

Lipsa instalării

Aceasta este o mișcare îndrăzneață: regizorii filmează scene lungi fără a edita deloc sau o ascund în diferite moduri.

Acest lucru face ceea ce se întâmplă pe ecran mai realist, oferă spectatorului un simț al ritmului poveștii în sine. Dar, desigur, această abordare necesită mult mai multe repetiții și investiții. La urma urmei, în timpul procesării, puteți tăia lucrurile mici nereușite.

Așadar, Joe Wright în filmul „Atonement” a arătat o scenă de cinci minute cu evacuarea trupelor din Dunkerque în timpul celui de-al Doilea Război Mondial. 1.300 de persoane au fost implicate în scena aglomerației, cu echipamente în mișcare în cadru, iar în fundal au loc explozii. Această abordare este cea care transmite toată sumbră și haosul a ceea ce se întâmplă.

Tehnologiile moderne fac posibilă gestionarea mai precisă a instalării. Și l-a ajutat pe Alejandro Gonzalez Iñarrit să-l împuște pe Birdman. În ea, nici măcar nu observi imediat că întreaga acțiune este afișată într-un cadru continuu.

De fapt, montajul este acolo, dar ascuns. Îmbinările se fac atunci când camera trece printr-un element întunecat.

Și „Arvotul Rusiei” de Alexander Sokurov arată și mai puternic. Acțiunea se petrece în Schit, iar regizorului i s-a dat o zi pentru filmare. Prin urmare, a decis să facă poza fără lipire.

A fost nevoie de șapte luni de repetiții cu 800 de figuranți. Drept urmare, din a treia filmare, au filmat un întreg film cu o durată de 1 oră și 27 de minute.

De fapt, există mult mai multe astfel de subtilități. Dar multe dintre ele necesită deja cunoștințe profunde de regie și cinematografie. Acestea sunt doar exemple simple care pot fi văzute în multe filme. Iar la vizualizarea următoarei imagini, cu siguranță veți fi lovit de „colțul olandez” sau de un cadru lung fără editare. Dar acest lucru nu va distruge magia cinematografiei, ci, dimpotrivă, va face vizionarea și mai interesantă.